La cara oculta de Joe Hisaishi

Al compositor nipón Joe Hisaishi es probable que lo conozcan hasta aquellos que afirman que el nombre no les suena de nada. Joe Hisaishi es la seña de identidad musical del afamado Studio Ghibli y del director de animación Hayao Miyazaki, tanto como John Williams lo supone respecto a Steven Spielberg (al que dotó de una reconocidísima personalidad musical) o Bernard Herrmann lo es con relación a Alfred Hitchcock, otro maridaje armonioso y muy celebrado.

El último trabajo en equipo de Miyazaki e Hisaishi ha sido El chico y la garza (2023), excelente película que cuenta con una de las bandas sonoras más vaporosas, impresionistas y simbolistas de la historia del cine. Entre las colaboraciones entre ambos más fructíferas, se encuentran El viaje de Chihiro (2001), El viento se levanta (2013), La princesa Mononoke (1997, quizá la obra maestra de Miyazaki y una de las composiciones también más inspiradas de Hisaishi), Porco Rosso (1992), Mi vecino Totoro (1988) o El castillo en el cielo (1986).

Pero Joe Hisaishi tiene una segunda faceta compositiva que pocos conocen y que en los últimos años Deutsche Grammophon se está encargando de difundir. El sello amarillo publicó en primer lugar un doble CD y doble vinilo con suites y fragmentos de sus bandas sonoras más conocidas, intitulado A Symphonic Celebration - Music from the Studio Ghibli Films of Hayao Miyazaki. Tras esta muy difundida y comercial primera grabación para DG, el sello alemán se ha ocupado del Hisaishi sinfonista (el menos conocido o el oculto) con varios álbumes que han llegado a continuación: en 2024, Joe Hisaishi in Vienna - Symphony No. 2 / Viola Saga; y como novedades durante este 2026, los dos discos de esta reseña: en mayo, Joe Hisaishi Conducts Steve Reich & Joe Hisaishi,  y en julio, Symphony No. 3 (Metaphysica) & Harp Concerto.

En sus bandas sonoras, Hisaishi entrelaza la tradición folclórica japonesa con la instrumentación occidental y llega al espectador a través de melodías sencillas que evolucionan de manera fragmentada y sinuosa, melodías a veces abiertamente naifs (en películas como Nicky, la aprendiz de bruja, 1989) o se diría que irónicamente infantiles (el mejor ejemplo sería la también ambigua Totoro), envueltas por una armonía etérea.

Al igual que Toru Takemitsu, la música cinematográfica de Joe Hisaishi parece seguir los pasos de Tanizaki y su Elogio de la sombra: allá donde Occidente busca eliminar la penumbra y realzar la figura colocando sobre ella un foco de luz, Oriente prefiere la belleza de la sugerencia y el misterio de lo semioscuro.

Sin embargo, la otra cara de Hisaishi, la del compositor sinfónico de auditorio, es diferente: más Occidental y de estilo claramente minimalista. No es en absoluto casual que The End of the World de Hisaishi aparezca acoplada en el primer disco junto a una muy recomendable versión de una de las obras claves de Steve Reich, The Desert Music. El arranque de The End of the World (I. Collapse) es tributario de los patrones rítmicos y matemáticos de Steve Reich. The End of the World continúa de una manera aún más norteamericana, introduciendo elementos de jazz (II. Grace of the St. Paul), sigue avanzando en el duelo con una canción emotiva de la soprano, más agitada en el acompañamiento (III. D.e.a.d), y finaliza con la consecución de un estado de paz. El referente durante la conclusión vuelve a ser el minimalismo de The Desert Music, centrado entonces en el coro, como en el caso de la obra de Reich (IV. Beyond the World).

Joe Hisaishi, la Royal Philharmonic Orchestra y el arpista Emmanuel Ceysson ofrecen en el segundo álbum comentado aquí la primera grabación mundial del Concierto para arpa, escrito para Ceysson. Es una gozada. A quienes consideren que el arpa es poco más que un instrumento acaramelado y sedoso se les puede invitar a que escuchen este Concierto, en el que el arpa de Ceysson destaca por su dinamismo, potencia e intensa expresividad.

El disco incluye también la Sinfonía n° 3 “Metaphysica” de Hisaishi, estrenada en 2021 por el 50 aniversario de la New Japan Philharmonic, la cual, al parecer, se inspira en la figura de Gustav Mahler (a quien, como tantos de nosotros, Hisaishi admira profundamente). Se trata de una de las obras más abstractas del nipón, un compositor conocido por ofrecer justo lo contrario en su faceta Ghibli. Para que el lector entienda en qué minimalismo se mueve aquí Joe Hisaishi: la Sinfonía n. 3 se halla más cerca de John Adams que de Philip Glass y Steve Reich. La gran plantilla orquestal se emplea para generar una obra colorista y de enorme vitalidad rítmica, sobre todo en la apertura y en la conclusión (I. Existence y III. Substance). Un adagio sencillo y melódico hace de puente entre ambos movimientos (II. Where are we going?).

Recomendación clara, pero para un grupo concreto de melómanos: los interesados en la cultura musical japonesa, en el minimalismo o en el universo fascinante de las bandas sonoras. A los seguidores de Hisaishi, casi les sobrará esta exposición.

Daniel Pérez Navarro