Habiendo producido cientos de ejemplos, Antonio Vivaldi debe ser considerado como el rey indiscutible del concierto instrumental barroco. Al escribir tales obras para una multitud de instrumentos diferentes (violín, viola d'amore, violonchelo, mandolina, flauta, oboe, fagot, trompeta, trompa...), tanto solo como en varias combinaciones, Vivaldi fue una figura seminal en el desarrollo de un género que alcanzó la perfección clásica en las obras de Mozart y Beethoven, alcanzó su pináculo en las obras románticas de Paganini, Brahms y Tchaikovsky, y disfrutó de vigencia continua a lo largo del siglo XX en las obras de compositores diversos como Berg, Prokofiev y Ligeti.
Dada la gran cantidad de conciertos para violín de Vivaldi (escribió al menos 35 solo en la tonalidad de re mayor), no sorprende que muchos hayan caído en una oscuridad casi total. Por otra parte, aquí se trata de una agrupación de cuatro conciertos de la op. 8 (1725), conocido colectivamente como "Las cuatro estaciones", la que sigue siendo la obra más conocida y característica del compositor. Aparte de las características que se han asociado con la mayor parte de la música de Vivaldi (gracia, virtuosismo, ritmos motores enérgicos), estos conciertos son notables por su extraordinaria imaginación programática, que se contrarresta con una gran atención a la estructura formal.
Cada concierto va acompañado de un poema descriptivo cuya imaginería se convierte en un elemento esencial del tejido musical, cada uno recitado en catalán por Ferschtman antes de comenzar cada concierto. Los pájaros que saludan la estación "con su canto alegre" en La primavera, por ejemplo, están coloridos representados en la figuración elaboradamente ornamentada de la obra. El verano está pintado en colores igualmente vivos que representan tanto el silbido de un pastor como una tormenta que se avecina. L'autunno (otoño) está marcado por una celebración campestre de la cosecha y el galope de una partida de caza a caballo. La desolación y la disonancia de L'inverno (Invierno) crean un retrato severo pero expresivo que proporciona un resumen sorprendente del ingenio pictórico de Vivaldi en estas cuatro obras.
En este concierto de la Franz Schubert Filharmonia y la violinista Liza Ferschtman, la fama y la popularidad de estas piezas le garantizan a una audiencia, y no ha fallado en su lectura vibrante, acentuada a veces en exceso y alternando con la dirección, en una versión particular, un tanto alejada del convencionalismo junto con una orquesta moderna aquí ajustada perfectamente al repertorio barroco, mostrando una interpretaciones hábiles y serias, con su énfasis en las cualidades episódicas y programáticas de estos cuatro conciertos para violín, cada uno de los cuales acompañado por su propio soneto que describe las estaciones.
Todo ello con un acompañamiento continuo muy audible y activo en una nitidez atractiva. Ferschtman merece crédito siguiendo el ejemplo de las "ramas frondosas que susurran en lo alto en lugar del sueño". Hay acelerandos y crescendos a lo largo, nunca objetables en la complicidad con la solista. No todo el público está acostumbrado a salirse del historiscismo y/o las múltiples versiones más conservadoras de la más que popular obra y se notó. La apuesta de la solista merece ser reconocida.
La segunda parte fue acometida por toda la paleta y con una obra del autor que da nombre al conjunto orquestal. El producto de un brillante joven de 17 años, esta "Sinfonía nº2", aunque no es una obra maestra a la altura de las sinfonías de Beethoven que emuló, es sin embargo un esfuerzo bastante notable. Presentada en cuatro movimientos, ya es decididamente más grandiosa en escala y perspectiva que la "Sinfonía nº1" de 1813. El movimiento de apertura de la Segunda comienza con una breve y soleada introducción de Largo, después de la cual el vigoroso tema principal de Allegro vivace se presenta con cuerdas apresuradas.
La música aquí efervescente y rebosa energía en su trayectoria ascendente y su aparente vuelo hacia el cielo, pero pronto se presenta una melodía lúdica y comparativamente serena para ofrecer un contraste brillante. Luego, los dos temas se desarrollan de manera imaginativa y, luego de una repetición, el movimiento termina con el mismo carácter alegre y enérgico que predominó en todo momento.
El segundo movimiento, marcado como Andante, es un tema y variaciones cuya melodía de origen es bastante simple y elegante, tocada primero por las cuerdas. Los vientos tienen mucho que decir en las variaciones que siguen y, a excepción de una variante muscular a mitad de camino, el estado de ánimo permanece sereno y suavemente juguetón. El Minueto subsiguiente, marcado como Allegro vivace, presenta una melodía de baile abundante, casi brusca, en las secciones exteriores y un trío ligero y juguetón en el centro.
El final (Presto vivace) mantiene los estados de ánimo generalmente ligeros y enérgicos del primer y tercer movimiento con un tema principal rítmico y alegre y un tema alternativo despreocupado y algo juguetón, que ofrece solo un leve contraste. Todo ello bajo una interpretación de Grau que tiene el lirismo necesario, en esta partitura carente de tensión y dramatismo, es adecuada y razonablemente precisa mostrando las raíces de un Schubert incipiente llamado a ser un genio.
Luis Suárez
Franz Schubert Filharmonìa.
Liza Ferschtman, violín, directora.
Tomàs Grau, director.
Obras de Vivaldi y Schubert.
13-17 Mayo 2022
Palau de la Música de Barcelona. Teatre de Tarragona. Teatre Fortuny de Reus. Auditori Granados, Lleida.
Foto © Martí E. Berenguer